Os passos do maior pintor brasileiro do século XIX entre Desterro, Paris e o Rio de Janeiro
Por Regis Mallmann

Ungido por um talento ímpar, Victor Meirelles de Lima assinou seu nome na história do Brasil através de uma vasta obra pictórica, marcada por uma centena de quadros históricos, retratos e panoramas. Começa a trilhar sua carreira de glórias ainda na primeira metade do século XIX, num momento em que se vive no país a euforia do neoclassicismo, por conta da influência da escola francesa, que mudava os rumos da pintura mundial. Se antes disso o que se fazia tinha um caráter colonial, simplório e sem influência universal, as tintas neoclássicas deram forma e personalidade às artes plásticas nacionais, numa ação que mudou definitivamente conceitos seculares e a imagem brasileira no cenário artístico internacional.

Nascido em 18 de agosto de 1832, na então pacata Nossa Senhora do Desterro, Victor Meirelles foi um menino simples, pobre até. Filho de Antônio Meirelles de Lima e Maria da Conceição Prazeres, casal de comerciantes portugueses que aportara na capital de Santa Catarina para começar nova vida, desde sempre demonstrara pendor para o desenho. A vila não era na época maior do que a maioria das cidades coloniais, com um casario possível de se contar num dia, ruas de terra batida e um ritmo social e cotidiano compatível com um núcleo urbano fincado numa ilha distante menos de um quilômetro do território continental. Uma distância que, portanto, não criava um regime de isolamento, como fazia supor o nome Desterro, que vivia, ao contrário, uma rotina cultural razoavelmente ativa.

É nesse cenário que o menino Victor vive seus primeiros anos, dividindo as horas e os dias entre as atividades comuns a todas as crianças de sua idade. Entre as brincadeiras e os estudos, reserva momentos para dedicar-se a reproduzir em imagens figuras que não tinham nenhuma singularidade ou que, mesmo para um observador leigo, não denotavam nenhum toque de gênio. Os pais, entretanto, animados com o desempenho do garoto com o grafite, e incentivados por alguns amigos, decidem bancar, não sem sacrifício, aulas de aperfeiçoamento para o menino. A tarefa é delegada a um imigrante argentino, o engenheiro Marciano Moreno, primeiro professor a ensinar-lhe rudimentos da técnica do desenho.

Cumprida essa espécie de alfabetização artística, a genialidade da arte de Victor Meirelles ganha cara e se torna mais evidente. As imagens que passa a transpor para o papel a partir de então têm mais vigor, personalidade e refletem o traço de uma pessoa dotada de um dom espetacular. É nesse momento que começam a se suceder uma série de acontecimentos que mudariam para sempre seu destino. E a sorte, parece, sempre lhe acena. Em passagem por Desterro, para uma conferência oficial, o conselheiro imperial Jerônimo Francisco Coelho ouve falar do menino prodígio, autor, dizem, de pinturas maravilhosas. Delineia-se nesse episódio o começo do processo de formação do artista que deixaria como legado uma obra que se confunde com a própria história do período em que viveu.

ACADEMIA

Curioso por conhecer esse artista juvenil, o conselheiro Coelho vai ao encontro daquele que anunciam como sendo um verdadeiro fenômeno. O que vê confirma tudo aquilo que lhe falaram: desenhos de traço firme e imagens de tons vivos que saltam da tela, verdadeiras maravilhas considerando-se a idade do autor, então com 14 anos. Motivado por essa descoberta, pede que Victor produza algum trabalho, solicitação que resulta em duas obras, uma aquarela representando Desterro vista desde o palácio do governo, e um outro estudo a lápis da figura de um menino. Enviadas ao Rio de Janeiro, ambas agradaram a direção da Academia Imperial de Belas Artes e acabaram por compor a exposição geral organizada em dezembro de 1846.

Esse fato é fundamental para a trajetória do artista, que é coberto de elogios e recebe um convite para estudar na renomada escola, centro irradiador da formação acadêmica das artes plásticas no país e para onde acorriam jovens talentos de todas as partes, do Norte ao Sul. O dinheiro não seria problema, pelo menos nos primeiros tempos, já que um grupo de mecenas bancaria os custos dos estudos e de sua permanência na metrópole, onde chega em fevereiro de 1847, com 15 anos incompletos, para, numa primeira fase, matricular-se na classe de desenho.

Enquanto aos patrocinadores cabe pagar as despesas com os estudos, ele ganha abrigo fácil na casa de um primo-irmão, o português João Moreira da Costa Lima, de quem vira grande amigo e chega a apadrinhar o casamento, em 1849. O que acontece a partir de então é a lapidação do talento de um grande pintor, que se reflete na cobiçada medalha de láurea, prêmio que ganha já naquele primeiro ano de academia e com o qual brinda os pais e a cidade natal numa visita pouco tempo depois.

O Rio de Janeiro que Victor Meirelles encontra é uma cidade muito diferente da Desterro onde passara os 14 primeiros anos de sua vida. A capital do Império tem um ritmo fervilhante, respira ares europeus e recende aos perfumes franceses da nobreza que vive na Corte, uma elite que ainda domina as rodas sociais e políticas. O modelo implantado pela independência e o fim do período colonial, 25 anos antes, haviam imprimido um novo dinamismo ao país, que já começa a viver as mudanças vindas a reboque desse processo.

É uma época em que se ensaia a industrialização, num projeto, embora com ressalvas, apoiado pelo imperador Dom Pedro II e que abriria as portas do Brasil para o mundo, mais precisamente para a Inglaterra, então o grande império industrial do planeta. Em meio a esse ambiente o pintor instala-se na metrópole e passa a dedicar-se de corpo e alma aos estudos.

Fica no Rio de Janeiro por duas temporadas antes de voltar para Santa Catarina. Desterro o recebe com novos olhos. Nos retratos que pinta para arrecadar fundos, Victor Meirelles demonstra que os estudos estavam sendo fundamentais para sua formação. São desse período obras como Retrato de Marciano Moreno, seu primeiro professor, e Vista do Desterro, atual Florianópolis.

No retorno ao Rio de Janeiro, em 1849, matricula-se novamente na Academia Imperial de Belas Artes, dessa vez na classe de pintura histórica, especialidade que ele desenvolveria com primor e que o qualificaria a ter na Corte seu nome na conta das mais altas patentes, inclusive o imperador. Uma pintura pautada pelo modelo academicista, conduta que qualquer instituição de belas artes no mundo seguia naquele momento, quando todos se voltavam para a releitura do clássico em vários setores, da arquitetura à pintura. Dentro desse modelo, o pintor catarinense foi um dos que obteve melhores resultados.

NEOCLÁSSICO

A compreensão da obra de Victor Meirelles passa necessariamente pelo entendimento do estilo neoclássico, quando houve um retorno aos princípios greco-romanos, com valores sustentados não só na obra de arte perfeita por imitar os mais precisos detalhes da natureza, mas também pela busca da máxima aproximação possível do que já haviam feito os artistas clássicos gregos e os renascentistas italianos.

O academicismo só reforçou essa tendência, com as escolas impondo aos estudantes o estilo em voga e fazendo-os repetir à exaustão os conceitos nele encerrados. Nas aulas da Academia Imperial de Belas Artes, o jovem e visionário Victor acabou por internalizar a essência dessas influências, refletidas em quase todos os quadros que pintaria a partir de então.

Na Academia, ele manteve contato com grandes mestres, pintores que ensinavam as bases de um trabalho de qualidade e enchiam seus alunos de novas informações sobre a arte. Entre seus professores figuram nomes como Manuel Joaquim de Melo Corte-Real e Joaquim Inácio da Costa Miranda, que lhe ensinaram os fundamentos do desenho figurado, e José Correia de Lima, discípulo do francês Debret – um dos introdutores do academicismo no Brasil – e responsável por repassar-lhe os conhecimentos da pintura histórica, por três anos consecutivos, entre 1849 e 1852.

Como era tradição na Academia, enquanto estudavam os alunos participavam de concursos de incentivo, uma motivação que para Victor não era diferente. Com participação brilhante em todas as disciplinas em que se matriculou, ele acabou por vencer, com a tela São João Batista no Cárcere, o 7º Prêmio de Viagem à Europa. Viajou em 1853 e, por mérito, acabou tendo o período do estágio renovado por três vezes, permanecendo fora do Brasil nos oito anos seguintes.

A EUROPA

Ainda bastante jovem – tinha então 21 anos incompletos – Victor Meirelles embarca para a Europa carregando uma grande responsabilidade. Tinha de retribuir a seus patrocinadores todo o investimento que faziam nele, resultado que, já sabia, dependia do maior tempo possível dedicado ao aperfeiçoamento. Chega à França em junho de 1853, no porto de Havre, seguindo depois a Paris, apenas para uma passagem rápida rumo a Marselha, de onde segue para Roma, seu destino definitivo. Na capital italiana, a Cidade Eterna, o catarinense terá a oportunidade de ver de perto alguns dos maiores tesouros artísticos da humanidade. Com o espírito em formação, sob a influência desse patrimônio milenar da arte, Victor conhece logo outros dois brasileiros: Agostinho José de Motta e Paliére Grandjean Ferreira, ambos igualmente egressos da Academia Imperial de Belas Artes e que também aperfeiçoavam conhecimentos na Itália.

São os colegas que o introduzem no mundo brilhante e rico da arte romana e que primeiro indicam a quais ateliês ele deve recorrer para tomar aulas. Primeiro, busca os ensinamentos de Tommaso Minardi que, apesar de professor renomado, mantinha um modelo letivo por demais austero, impedindo que seus alunos produzissem originais contrariando regras acadêmicas. Por isso, Victor optou por trocar de mestre e passou a tomar aulas com Nicolau Consonni, um representante da conceituada Academia de São Lucas.

Inicia então um dedicado e valioso curso de desenho com modelos vivos, muito útil para as composições históricas que viria a produzir anos mais tarde. A disciplina rígida era a marca desses encontros, quando nada podia tirar a concentração do jovem estudante diante das figuras humanas e estátuas que transpunha para o papel. Mas Victor não ficava encerrado nesse ambiente, estendendo seu aprendizado para suas horas livres, quando escolhia o que desenhar e pintar com aquarelas, dando asas à imaginação e forjando um estilo bem particular.

Depois de Roma, numa segunda etapa do estágio, vai a Florença, um dos berços da arte renascentista que tanto o fascinava e onde ele encontra farto material para servir de modelo na formação e qualificação de seu talento. Toma contato com relíquias abrigadas em palácios como a Galeria Uffizi e Palazzo Pitti, e nas igrejas de Santa Maria del Fiore, Santa Croce e San Marco, templos nos quais a grandeza da arte veneziana o contagia, principalmente pela riqueza dos detalhes e pelo colorido.

Entre os artistas que admira então, Paolo Veronese é que mais chama sua atenção. Faz cópias de seus quadros, bem como tenta repetir a riqueza das telas de Ticiano, Tintoreto, Lorenzo Sotto e Campagnuolo, entre outros, atividade que lhe traz mais ensinamentos do que semanas trancafiado numa sala de aula ouvindo teorias sobre a pintura. Vai agregando conhecimentos e fazendo valer a bolsa que o governo brasileiro lhe financia e que três anos mais tarde, em 1856, é prorrogada por mais três, o que lhe garante estender a profícua temporada na Europa.

APRENDIZADO

A ampliação do prazo para estudar fora do país é resultado da avaliação positiva que os mestres da Academia Imperial de Belas Artes faziam dos trabalhos regularmente remetidos por Victor Meirelles para o Brasil. Nesse segundo momento, junto com o anúncio da prorrogação do estágio, seguiu uma lista relacionando estudos que ele deveria cumprir. Eram todos trabalhos que o conduziam à pintura histórica, sempre dentro da conduta que a Academia impunha aos seus pupilos. Nada difícil para o jovem pintor, que inicia então mais uma parte da jornada européia por museus, galerias, palácios, praças e todo tipo de lugar onde existisse algo que ele pudesse aproveitar em suas observações levadas à tela e ao papel.

Viaja para Milão, onde passa pouco tempo, e depois segue para Paris, na época ainda o maior centro irradiador de cultura daqueles anos brilhantes do século XIX. Antes, porém, termina sua primeira obra original, A Flagelação de Cristo, quadro que, enviado para análise da direção da Academia Imperial de Belas Artes em 1859, seria o passaporte para que ele permanecesse mais um período na Europa. É uma tela que traduz bem a influência italiana em sua obra, principalmente pelo caráter religioso que apareceria depois em inúmeros de seus trabalhos.

Na capital francesa, é introduzido no clima de efervescência romântica que toma conta das artes plásticas, tendo como artífices, entre outros nomes consagrados, Paul Delaroche. O sonho e tomar aulas com Delaroche teve que ser esquecido porque o mestre morreu repentinamente e o brasileiro busca então a orientação de Léon Cogniet, outro propagador do romantismo e integrante da Escola de Belas Artes e referência para estrangeiros que acorriam à Europa atrás de aperfeiçoamento. Depois de Cogniet, passa a ter orientação de Andre Gastaldi, artista quase da mesma idade que ele mas que em conhecimentos gerais de como produzir uma tela estava muito mais adiantado. Foi nessa fase que o pintor brasileiro desenvolveu o senso de composição das cores suplementares. Com a ajuda do colega, aprendeu como melhor distribuir as tintas e misturá-las na palheta. Esse período marca uma produção generosa, sendo que inúmeros trabalhos dessa fase integram hoje os acervos do Museu Nacional de Belas Artes e da Escola de Belas Artes, ambos no Rio de Janeiro.

O PROTETOR

Nesses anos todos fora do país, Victor Meirelles manteve contato intenso com Manuel de Araújo Porto-Alegre, diretor da Academia Imperial de Belas Artes entre 1854 e 1857 e homem de aguçado poder de observação, responsável por ver no jovem pintor catarinense uma grande promessa das artes. Sempre atento aos passos que o jovem protegido dava em terras estrangeiras, Porto-Alegre era o porta-voz do rapaz junto aos demais colegas que analisavam os trabalhos enviados da Europa.

Em correspondências constantes, também indicava os passos certos a serem dados e mantinha-o informado de tudo o que se dizia e pensava a respeito do que estava produzindo. Um mestre que o artista tinha em grande conta e que supervisionou com olhos de pai sua trajetória, procurando mantê-lo sempre no caminho que mais interessava: o da arte acadêmica. De alguma maneira, dava jeito de alertá-lo dos riscos de aderir às correntes contrárias a esse movimento, aquelas que introduziam um novo olhar sobre a arte, buscando inspiração nos temas do cotidiano e não mais nas imagens clássicas e religiosas.

Ao mesmo tempo em que o estágio ítalo-francês modelou em Victor Meirelles um artista com visão global, fez com que se mantivesse um homem de princípios íntegros, que não desperdiçou a chance de colocar seu talento a serviço de um projeto acadêmico que garantia tudo o que precisava, do sustento à orientação de nomes importantes que apostavam em seu talento. Consta que ele pouco ou quase nada se envolveu com os prazeres mundanos nas cidades por onde passou. Mantinha, ao contrário, uma rotina quase monástica, com olhos dirigidos apenas para o trabalho.

Uma dedicação que se expressa nas obras que assinou nesse período e que não foram poucas. Em Paris, executou A Bacante, também chamada de O Fauno e a Bacante, tela em que reúne elementos que comprovam o quanto aprendeu sobre o nu. Um trabalho que também revela sua face de profundo pesquisador que busca apoio para compor seus quadros, nesse caso na mitologia, num conjunto em que o cunho acadêmico aparece no desenho, na forma, no claro-escuro e em outros elementos que caracterizam o estilo.

Em 1859, Victor recebe correspondência de Manuel de Araújo Porto-Alegre, levada à Europa pelas mãos do então jovem estudante paraibano Pedro Américo, que estava sendo encaminhado pela Academia Imperial de Belas Artes para tomar aulas com Léon Cogniet. A carta trazia sugestões ao pintor para um tema que fosse usado no trabalho que a Academia lhe solicitava e que garantiria mais dois anos de estágio. Porto-Alegre, que saíra da direção da escola de artes dois anos antes, mas mantinha contato regular com o pupilo, solicitava que para buscar inspiração ele lesse a carta que Pero Vaz de Caminha escrevera quase 400 anos antes para o rei de Portugal, quando a frota de Cabral atracou no Brasil, em abril de 1500.

PRIMEIRA MISSA

O documento que fazia referências ao primeiro contato oficial dos brancos europeus com os índios selvagens, afirmava Porto-Alegre, seria fundamental para que Victor encontrasse os rumos para iniciar a obra histórica de grandes dimensões que lhe era pedida. Mal sabia o artista que isso era o embrião daquele que acabaria por se tornar seu quadro mais importante, Primeira Missa no Brasil, de 1860, trabalho em que poderia expressar seu aprendizado e que poderia reunir em imagem seu pensamento de formação cristã de sólidas bases e que ele cultivara sempre, vindo a ser tema de várias outras peças.

Enquanto molda no imaginário as imagens da futura tela, Victor Meirelles continua em Paris seu processo de formação, só que agora com o objetivo de colher mais informações e conhecimentos que contribuam para a produção do que será seu primeiro e mais grandioso trabalho histórico. Na biblioteca Santa Genoveva lê livros que apontam caminhos para melhor compreender e elaborar usos e costumes daquela época, fundamentais para a composição do quadro. É enviado ao Brasil um esboço do quadro, trabalho que integrou as exposições da Academia de 1859 e 1860 já causando boa impressão entre o público. Não inicia o trabalho sem antes aceitar algumas sugestões dadas pelo mestre francês Robert Fleury, que acompanhava as atividades de Victor desde a partida de Gastaldi para Turim.

Ajustes feitos e munido de material e recursos financeiros suficientes para subsidiar o tempo necessário à elaboração do quadro, o pintor põe mãos à obra, num processo que leva dois anos até que esteja completamente pronto. Apresentado ao júri do Salão de Paris de 1861, a pintura Primeira Missa no Brasil é aceita com louvor, garantindo assim a participação na grandiosa exposição, um fato inédito para a arte brasileira, que até então não havia tido um representante numa mostra internacional. Victor Meirelles traduzia nessa obra todos os preceitos de uma carreira que começara 15 anos antes e que rapidamente o introduziu no contexto mais respeitado da arte nacional e internacional.

Construindo uma imagem que representava exatamente como os conquistadores supunham ter sido a chegada na terra descoberta – na verdade, uma primeira missa havia sido celebrada no navio principal da frota –, o artista recriou uma cena cotidiana na qual estão expressos valores e poder, tendo a cruz e o altar como centro, os conquistadores dominando o espetáculo e os índios como espectadores daquele momento histórico. A tela congrega toda a gama de preceitos acadêmicos, unindo fato histórico com figuras humanas e a paisagem, tudo impregnado de cores e formas épicas. Depois dessa produção, seu autor passaria para a imortalidade.

A execução da obra Primeira Missa no Brasil foi o último projeto desenvolvido por Victor Meirelles na Europa. Já glorificado e elevado ao panteão dos gênios da arte, retorna ao Brasil ainda em meados de 1861, em meio ao culto que o cerca por ter conseguido a enorme façanha de colocar o nome do país no salão francês. Na chegada ao Rio de Janeiro recebe muitas homenagens, sendo a maior delas a condecoração de Cavaleiro da Ordem da Rosa, recebida de Dom Pedro II, na mesma ocasião em que era agraciado o compositor Carlos Gomes, este pela ópera Noites do Castelo. Exposta na capital do Império, a tela foi motivo de elogios e também de muitas críticas, principalmente daqueles que a situavam fora dos padrões estritamente acadêmicos e a creditavam ao fruto exagerado da imaginação. O certo é que o quadro foi considerado também o início de um novo momento da pintura brasileira, já que nele estava representado um tema de forte apelo nacionalista, sendo considerado, até com certo exagero, o princípio da fase da pintura de cavalete no Brasil.

VICTOR PROFESSOR

Logo que retorna, o pintor, então com 29 anos, empreende uma viagem a Desterro para visitar a mãe, pois o pai morrera em 1854, no primeiro ano em que ele fazia seus estudos na Europa. Permanece um tempo no sul e depois volta para a o Rio de Janeiro, onde é nomeado professor honorário da Academia Imperial de Belas Artes, dando início a mais um ciclo em sua vida.

O Rio de Janeiro que o acolhe ainda é uma cidade de características imperiais, com o domínio da Corte sobre todos os desígnios políticos, econômicos e sociais. Há a escravidão dos negros, chaga que os abolicionistas não se cansam de combater, e há também os republicanos, uma corrente que tem como meta mudar o modelo administrativo, extirpando o que consideram um atraso: o modelo imperial. Nesse cenário, Victor Meirelles assume como professor honorário e é logo promovido a professor interino, passando, tempos depois, a titular da Academia. Como mestre, repassa tudo o que aprendeu a uma geração de discípulos, a quem dedica atenção plena e que, em inúmeros depoimentos deixados, consideram-no um homem de caráter indiscutível, sempre pronto a dedicar atenção aos que têm dificuldades. É também paciente e minucioso, fazendo com que seus alunos sigam todos os passos para compor um quadro, desde a discussão do tema e dos elementos que o integrarão, passando pela produção dos esboços, desenho com crayon e carvão e estudos parciais dos personagens que figurarão nas telas, entre outros procedimentos.

Em 1866, quando ainda era professor da Academia Imperial de Belas Artes, a fama e a abnegação de Victor Meirelles às causas nacionais o qualificam a ser o nome indicado pelo governo para a tarefa inédita de retratar em telas as ações heróicas da armada brasileira na Guerra do Paraguai. É então procurado pelo ministro da Marinha, Visconde de Ouro Preto, que o incumbe pessoalmente de executar esse trabalho, um projeto grandioso e de difícil execução, já que envolveria a ida do artista até os cenários do confronto.

É um contrato honroso e também monetariamente atrativo, que o pintor aceita sem pestanejar. Assim, embarca com destino à guerra, em 1868, instalando um verdadeiro ateliê a bordo do Brasil, o navio-chefe da esquadra brasileira no conflito. Durante quase seis meses, colhe impressões e faz estudos, material reunido e depois levado ao Rio de Janeiro, onde exila-se no convento de Santo Antônio para dedicar tempo integral à pintura. O resultado são os quadros Passagem do Humaitá e Combate Naval do Riachuelo, telas que traduzem em imagens detalhadíssimas o ambiente da guerra que se arrastava no país vizinho. As viagens renderam ainda outro trabalho, A Abordagem do Vapor Alagoas. Mesmo sem caráter militarista, é dessa mesma época o quadro Moema, outra das mais famosas produções do artista.

 MILITARISMO

A aceitação da obra de Victor Meirelles de Lima é grande em todos os meios, mas é o apoio inconteste que tem do imperador Dom Pedro II que lhe garante trabalho ininterrupto. Seu prestígio é tão grande que o próprio monarca, acompanhado da Princesa Isabel, e do marido desta, o Conde D’Eu, faz-lhe uma visita enquanto está concluindo os dois primeiros quadros da encomendada série histórica de guerra. Essa aproximação já tinha rendido a tela Casamento da Princesa Isabel, em 1864, resultou no quadro O Juramento da Princesa Regente, de 1871, que reproduz a cerimônia na qual a Princesa Isabel recebe o cargo em função de uma viagem do pai para a Europa.

A trajetória de um dos quadros desse período é curiosa. A tela Combate Naval do Riachuelo acabou sendo perdida após participar de uma exposição na Filadélfia, Estados Unidos. Inconformado, Victor Meirelles a recriou. A nova versão foi feita em 1883, em uma estadia em Paris, onde também foi exposto, no Salão da capital francesa daquele ano, sendo uma das obras de maior destaque da mostra. O êxito do pintor brasileiro virou sensação nos círculos artísticos, sendo convidado para jantares e recebendo generosas críticas na imprensa francesa.

Em 1875, Victor prepara os primeiros esboços de outro grande retrato de guerra, Batalha dos Guararapes, projeto que havia sido encomendado a Pedro Américo, já de volta da Europa e um nome reconhecido, mas que preferiu substituir o tema, o que resultaria na Batalha do Avaí. As telas de ambos foram expostas pela Academia naquele ano e se transformaram no centro de uma das polêmicas mais inflamadas da história das artes plásticas brasileiras até aquele momento. Tudo por conta de críticos que atribuíam o resultado dos trabalhos ao plágio, o que justificavam com vários detalhes encontrados nas pinturas.

A discussão em torno do assunto se estende por longo tempo, acirrando-se ainda mais quando revistas e jornais entraram no imbróglio, tendo de um lado os que atacavam os pintores e de outro aqueles que os defendiam. Isso, porém, em nada maculou a imagem de ambos, já alçados ao patamar de quase heróis nacionais, e nem tira o brilhantismo de Batalha dos Guararapes, quadro no qual Victor recria o confronto entre tropas pernambucanas e holandesas ocorrido em abril de 1648.

Como já havia feito nas incursões anteriores pelo gênero histórico de guerra, o pintor catarinense foi até o local onde ocorrera a batalha para obter o maior número possível de informações e visualizar melhor o cenário em que situaria a ação e seus personagens. Mais uma vez, o resultado foi grandioso, a começar pela dimensão, quase cinco metros de altura por pouco mais de nove metros de largura.

ROMÂNTICO

Um outro trabalho marcou essa época de grandes produções, talvez o momento mais fecundo da obra que se conhece de Victor Meirelles, principalmente pela dimensão física dos quadros. Moema, inspirado na personagem trágica do poema épico Caramuru, de Santa Rita Durão, é a índia que surge na tela do pintor expressando um romantismo sempre presente em sua trajetória. Nele o pintor ensaia um namoro com estilos que poderia dominar perfeitamente, não tivesse ele mantido-se fiel à escola acadêmica, que foi, afinal, o fio condutor de toda a sua vida artística. Victor situa a ação na beira da praia, local onde vai dar o corpo da jovem que se atira às águas agitadas do mar quando seu amor, o branco Diogo, vai embora com outra mulher.

A trajetória desse trabalho esconde nuances curiosas. Exposta em 1863, a obra não agradou nem ao público nem à crítica, ficando inclusive “encalhada”, porque ninguém demonstrara interesse em adquiri-la. Alguns historiadores chegam a atribuir a esse fato uma possível explicação para que Victor deixasse de pintar temas de caráter espontâneo, preferindo dedicar-se aos trabalhos feitos sob encomenda, com assuntos pré-estabelecidos, entre eles muitos retratos, atividade que lhe rendia bom dinheiro.

Três anos depois, entretanto, laureado na exposição da Academia Imperial de Belas Artes de 1866, o quadro recebe festivos elogios, alguns deles atribuindo à tela a façanha de abrigar em si valores nacionais embutidos na lenda da personagem que se entregou a um amor impossível e que fez disso a sua tragédia. As técnicas aplicadas pelo artista para compor o quadro também foram consideradas de qualidade inegável.

A produção de retratos foi uma tarefa a qual Victor Meirelles se dedicou com afinco, mas que é ofuscada pela grandiosidade das telas de cunho histórico. Apesar do grande número de trabalhos do gênero que fazem parte do acervo que deixou como legado, o destaque que esses têm quando se fala de sua obra é bem menor, embora representem parte valiosíssima de sua produção.

Os traços das pessoas que eternizou na tela eram carregados de excepcional realismo e emergiam da ponta do lápis como resultado de uma atividade que, além de contribuir cada vez mais em seu aperfeiçoamento, era a melhor forma de ganhar dinheiro. Não fazia restrições, aceitando encomendas de todo o tipo. Nobres e endinheirados comendadores e comerciantes de posses medianas serviram-lhe igualmente de modelo.

PANORAMAS

Os panoramas também foram uma constante na trajetória artística do pintor catarinense, que desde os primeiros trabalhos com palheta e pincel reproduziu em telas as paisagens urbanas. Ele não economizou tintas para levar aos quadros os retratos urbanos. Dos primeiros e até tímidos trabalhos que produzira na adolescência em Desterro até os amplos panoramas do último período de sua vida, um longo caminho de aperfeiçoamento foi trilhado.

O resultado são documentos iconográficos de uma época, com destaque para Panorama do Rio de Janeiro, vista circular tomada a partir do alto do morro de Santo Antônio, que executou em parceria com o belga H. Langerock. A execução foi concluída na Bélgica, país onde foi exposto em 1887, depois de dois anos de trabalho.

Em 1889, o quadro seria levado à Exposição Universal de Paris e, no mesmo ano, no Rio de Janeiro, foi colocado em mostra para visitação pública, com renda revertida para a Santa Casa de Misericórdia, numa atitude que apontava para a personalidade generosa de Victor Meirelles. Esse período, que sinaliza também o início da fase final do artista, foi marcado ainda pela produção de outros dois panoramas, resultando nas obras-primas Panorama da Entrada da Esquadra Legal – Revolta da Armada e Panorama do Descobrimento do Brasil, esse para marcar o quarto centenário do descobrimento.

DISCRIMINAÇÃO

O período dos panoramas coincide com o fim da carreira oficial de Victor Meirelles. Começa a sair de cena o homem incensado como um gênio da pintura e entra no palco um personagem que viria a sofrer as maiores vilanias, principalmente a partir da proclamação da República, em 1889. Uma reação previsível frente às antigas ligações do pintor com a monarquia. O que não era difícil de supor, já que ele sempre estivera alinhado com o poder imperial, acompanhando de longe por toda a vida os acontecimentos que apontavam para uma mudança de comportamento da sociedade brasileira, sem nunca, no entanto, envolver-se ou tomar posição.

Cansado dos desmandos, há tempos o povo se insurgia em diversas partes do país, o que chegou a apressar a declaração de maioridade de Dom Pedro II, o último imperador. O primeiro passo dos inimigos de Victor Meirelles foi afastá-lo, em 1890, depois de 28 anos de dedicação, de suas funções na Academia Imperial de Belas Artes, agora batizada de Escola Nacional de Belas Artes. Essa nova geração de comandantes da escola vinha com novas idéias e impunha um novo modelo e orientação de ensino.

Resta ao pintor a atividade no Liceu de Artes e Ofícios, onde leciona por mais um ano, até que seus desafetos também o privam desse trabalho, deixando-o sem nenhum vínculo com atividades de arte acadêmicas oficiais. Uma última experiência nesse período é a elaboração do Panorama do Descobrimento do Brasil e A Invocação à Nossa Senhora do Carmo, que chegou a ser exposta no Liceu sem jamais ocupar o lugar que deveria: o altar-mor da catedral do Rio de Janeiro.

Numa tentativa de ainda manter-se ligado à atividade acadêmica, Victor Meirelles funda sua escola de arte, em 1893, projeto que não é bem-sucedido e acaba encerrando as atividades em curto prazo. Já com mais de 60 anos de idade, o pintor enfrenta dificuldades pelas quais nunca passara desde que chegara ao Rio de Janeiro, 46 anos antes, para fazer de seu talento porta de entrada para um universo de facilidades que lhe permitiram ter uma vida sem privações. Nem mesmo ânimo para participar de salões ele tinha mais, sobrevivendo graças ao apoio de um punhado de amigos e discípulos mais próximos. Em atitude desesperada, aluga um barracão e expõe o panorama circular, cuja renda com ingressos que cobra é uma fonte de sustento.

Em 1903, doente e abandonado, Victor Meirelles não resiste e morre na manhã de 22 de fevereiro, um domingo de Carnaval, legando para o país uma das maiores obras pictóricas de que se tem conhecimento. Tinha então 71 anos. A viúva, Rosália, morreu no final do mesmo ano, reduzindo a família do pintor ao enteado deste, Eduardo França.

O drama, porém, ainda acompanharia o destino do artista por algum tempo. Os três panoramas do Rio de Janeiro, que tinham sido doados ao governo, foram guardados num depósito e lá esquecidos e perdidos. O tempo se encarregou de esvanecer a tragédia que se abateu sobre Victor Meirelles ao final da vida, e sua obra atesta que mais do que sua trajetória pessoal o que ficou é o resultado do talento e dedicação de um dos maiores gênios da arte que o Brasil já conheceu.
Referências

1. RUBENS, Carlos. Vítor Meireles, sua vida e sua obra. Rio de Janeiro: Imprensa Nacional, 1945.

2. ROSA, Angelo de Proença. Aspectos do desenvolvimento da composição em Victor Meirelles. Rio de Janeiro: 1966.

3. ROSA, Angelo de Proença; JÚNIOR, Donato de Mello; PEIXOTO, Elza Ramos; SOUZA, Sara Regina Silveira de. Victor Meirelles de Lima 1832-1903. Rio de Janeiro: Pinakotheke, 1982.

4. JÚNIOR, Donato de Mello. A vida e a obra de Vítor Meireles: o julgamento crítico da época e a crítica contemporânea. Rio de Janeiro: Biblioteca do Museu Nacional de Belas Artes, 1982.

5. FRANZ, Teresinha S. Educação para a compreensão da arte: Museu Victor Meirelles. Florianópolis: Insular, 2001.

6. PISANI, Osmar. Textos de teatro. Florianópolis: Fundação Aníbal Nunes Pires, 2002.

7. PROENÇA, Graça. História da arte. Rio de Janeiro: Ática, 1989.

8. Victor Meirelles no Museu Nacional de Belas Artes. Rio de Janeiro: MNBA, 1970.